论20世纪西方音乐及其发展

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论20世纪西方音乐及其发展

20世纪初,浪漫主义音乐进入最后的收尾阶段,由此西方音乐大转折,跨步迈进了一个崭新的音乐时代。20世纪的西方音乐,与传统音乐体系迥然不同,不仅有所突破,还对固若金汤的作曲技法有所创新,审美视角、表情风格和作曲理念由此焕然一新。 一、20世纪西方音乐发展的初步认识

以20世纪为分界线,之前的音乐特色更多的表现人民的愿望、生活色彩、思想感情、艺术手法和社会生活等方面。作曲技法与创新上也无突破,比如古典主义时期音乐的作曲技法遵循的是理性为先,稳重而严肃、严谨和谐、曲风淳朴;浪漫主义时期音乐作曲技法在很多时候还保留和继承着古典主义音乐的手法,注重来自民间的曲风素材并加以升华,但在整体上还是没有挣脱结构严谨的束缚。然而,随着20世纪的到来,音乐在形成各种流派的同时,出现了形式各样的音乐语言和风格。作曲家们也百花齐放,为自己的独树一帜和新异技法而废寝忘食。

1909年8月是西方音乐发展的一个重要分水岭,随着勋伯格的第一首无调性作品《钢琴曲三首》创作定音,音乐正式迈入一个崭新的辉煌时代。人们的耳朵也随之享受了一次前所未有的音乐洗礼。

一个世纪的时间让人们应接不暇的是各种各样奇特怪异的音响、技法、谱式、观点、理论与创新想法。比如说电子音乐、表现主义音乐、计算机音乐、新古典主义音乐、偶然音乐、序列音乐等。不可否认的是这些让人惊异的新事物的出现,在一定程度上是过去几百年音乐发展的必然走势。经历每一个音乐巅峰时,总会适时出现新的音乐模式将其取代并把音乐发展延续下去。从巴洛克时期到古典主义时期的过渡,然后发展到了浪漫主义时期,继而在浪漫主义的后期阶段当时固有的音乐形式、语言和风格都发展到了顶峰。此时出现的音乐作品如斯克里亚宾的神秘和弦与德彪西模糊的调性,它们让当时的音乐创作出现了不和谐的音符,音响的效果更加丰满并复杂化,调性此时也面临着土崩瓦解。这些就成为了新音乐即将诞生的明显预兆。

二、20世纪西方音乐发展的两次高潮

不断标新立异的20世纪音乐发展中,经历过两次巅峰期。

20世纪一二十年代引发了第一次高潮,第一次世界大战让新的音乐创作受到了一定的影响,但还是出现了像勋伯格的十二音体系这样让人惊艳的音乐作品。奥地利作曲家勋伯格在1909年的第一首无调性钢琴作品之后3年里,又完成了《五首管弦乐曲》在伦敦进行首演,这是第一首用无调性技法完成的管弦乐作品。

它是进入现代音乐最早的流派,同印象主义形成了鲜明的对立,重点强调艺术家应具有自我体验与感受。表现主义音乐的最大特点就是使用了创新的音乐组织方法,逐步放弃了研究的调性到无调性之间过渡的过程。20世纪的20年代,新古典主义迅速发展起来,他们将目标转移至巴洛克与文艺复兴时期,努力在复古过程中探寻新的突破,以便能够重回古典,不断摒弃主观性,通过客观冷静的现代手法表现均衡的古典主义形式。

20世纪的新民族主义作曲家将研究的方向转移至民间,他们试图在现代与传统之间寻求音乐的创新道路。最早的民族音乐创始人之一的巴托克不断吸取和借鉴民间的音乐,经过不断尝试最终确定了自己的音乐创作风格。

1913年《春之祭》这个由斯特拉文斯基作曲的舞剧在巴黎进行演出。到了三四十年代,西方音乐到处充斥着新古典主义的气息,它已成为此时音乐发展的主流。

第二次顶峰期在五六十年代,这时的音乐发展有了更大的突破和影响,又增加了各种流派的实验音乐。噪音音乐在一二十年代已经销声匿迹,但在此时却又卷土重来。在新的技法条件下,派生出了空间音乐、具体音乐,还有偶然音乐、直觉音乐、电子音乐、概念音乐等。也


许这些新事物不是让广大听众所欣赏和接受,但这些音乐倡导的全新的音乐理念确实是值得我们推崇的。这种音乐革新、这种再创造也是值得我们学习的。改变我们的观念去接受崭新的音乐形式与作曲技法,让我们不再用简单的习惯来评判一切。 三、20世纪西方音乐新作曲技法的发展变化 (一)调式音阶的颠覆创新

再强的真理也需要实践的证明,作曲家经历无数实践之后,终于将目光转向了民间音乐、民间调式,以此作为实践并创作的新素材。如吉卜赛大音阶、东方音阶等。对中古式加上现代化的作曲技法并加以创新的音乐形式,也成为某些作曲家的新宠,以至这种形式在音乐领域的地位不断攀升。这样的创新形式让大小调体系在音乐中的地位发生了改变,不再是主宰。作曲家巧妙融合两个调式,使其成为一体,这种创新理念是颠覆性的。 (二)节拍节奏的个性创新

节奏在传统意义上的终结,预示着它更加自由化、复杂化和不规则化。这样就意味着个性化的塑造和独特风格的激发达到了最大化。如斯特拉文斯基的《春之祭》、巴托克的《野蛮的快板》,这些新型音乐作品呈现出了不规则的最强音,其中包括复合节奏和交替节拍的手法运用。这些都体现出了作曲家超越自我,彰显个性的不羁思想,这也是让他们在20世纪音乐领域中独占鳌头的主要因素。 (三)新的现代和弦音的产生

现代和弦与传统和弦的结构原则有共同之处。高叠和弦就是在和弦音中注入新形式的和弦音,让其具有了现代气息。同时,作曲家也可时常自我创造和弦来融合到自己的作品中,加以渲染。如作品《普罗米修斯》的作者斯克里亚宾所用的神秘和弦,《彼得鲁什卡》是斯特拉文斯基的作品,两大和弦融合成一个令人耳目一新的现代意义感强的新型和弦。 (四)模糊调性的展现

有一部分作品,它的调性模糊或在某一部作品中呈现出不止一个调性,中心音的缺失,甚至听起来没有连续的音。如勋伯格的十二音体系、梅西安的序列音乐等。 四、20世纪西方音乐发展变化的总体特征

20世纪音乐的技法和形式五彩斑斓。它的总体特征有以下几点。

1.旋律。传统的音乐是流畅、起伏自然、有规律的。20世纪的音乐线条却是有很多大跳进,乐句的划分没有规律,而且前后乐句也不互相呼应,甚至会使用其他的音响来代替旋律的部分。

2.和声。打破以三废为基础的和弦结构,频繁地使用二、四、五度使之出现不和谐音响,甚至没有了和声的概念,不和谐和声也不需要解决。和旋功能被减弱到了最低限度。 (转第页)

(接第页) 3.调性。以勋伯格的无调性和十二音音乐发展成序列音乐为例,这个时候的音乐调性不再明确,有的时候虽然有中心音,却把十二音作为同等重要的音来对待,甚至可以一起出现。无大小调,转调也不需要过渡了,音与音之间也不再是连贯。

4.节奏。20世纪音乐的节奏变化多端、非常自由,由各种节奏组合在一起,并且频繁地变换节拍。小节线在这个时期被解放出来,乐曲中甚至不会出现小节线。换句话说,20世纪的音乐是在自由中寻找不寻常的节奏。 5.曲式。传统的曲式原则仍然很重要,有时也会采用传统的三段式。但段落划分模糊不清。有一些乐谱看起来很规则,但听起来确实模糊不容易被辨认也不规则。也很少有2,4,8的方正结构形式出现。 6.配器。传统的音乐是把各种乐器优化地组合在一起。现代音乐会强调个别乐器,并且会使用极端音域,甚至使用噪音,以突出管乐打击乐成为主要乐器。20世纪音乐发生了巨大的变

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